Carmen Muñoz (Granada/Barcelona)
Estudio sobre la histeria, 25 min.

Una mujer que invoca los cuerpos de sus referentes pasados hacia su intuición presente. Permitir, trascender los cuerpos, ceder y dejarse poseer por ellos, averiguar lo que está oculto y construirse sobre sus cenizas.

Un viaje iniciático desde la lucidez del cuerpo hasta su delirio histérico. Una travesía de cuerpo, palabra, pasado, destino… Y lo que se escapa.

Esta obra es un viaje. A través de la investigación de los cuerpos de bailaoras escogidas como referentes, la histérica plantea una travesía escénica para llegar a su propio cuerpo, a su propia intuición. Un recorrido de los cuerpos, una exploración de lo físico y lo místico, a través de las figuras de Carmen Mora, Manuela Vargas y La Chana, que desemboca en la conversión del cuerpo de la histérica en el que las fronteras quedan difuminadas. Una transformación, un juego dramático de su verdad y de su mentira, hacia territorios desconocidos.

De la extracción de los cuerpos de estas referentes del flamenco, Carmen Muñoz destila en el suyo, un collage escénico atravesado por la corporeidad de las enfermas de histeria y las bailarinas de la Modern Dance.

Dirección, coreografía e interpretación: Carmen Muñoz
Asistente en dramaturgia: Salvador S. Sánchez
Composición música original: Reserva Espiritual, Arnau Montserrat
Diseño espacio sonoro: Carmen Muñoz
Diseño de vestuario: Marta Piñol

Carmen Muñoz, Granada, 1988. Bailarina, coreógrafa e investigadora graduada por el CSD del Institut del Teatre BCN. Desarrolla su carrera profesional como intérprete en compañías como Estévez- Paños, Tristura, José Manuel Álvarez, La Fura dels Baus, Juan Carlos Lérida, Pol Jiménez y Marco Vargas & Chloé Brûlé.

Desde 2017 funda su propia compañía con la que ha presentado cinco espectáculos: Vallejo, Catalina mía, Bailes de histéricas (y su variación de solo de danza Estudio sobre la histeria) e Invocation. Este último recibió el Premio al mejor espectáculo de danza para espacios no convencionales 2023 por la PAD-Asociación de Profesionales de la Danza de Andalucía.

La Compañía Carmen Muñoz ha pasado por las programaciones del Festival de Danza Escena Patrimonio, Fira Mediterrània, TanzHaus NRW Düsseldorf, Teatro Central Sevilla, Museo Pompidou Málaga, Festival Ellas Crean Madrid, El Dorado Sociedad Flamenca Barcelonesa, entre otras.

Ha también creado sus piezas en espacios como La Aceitera Sevilla, Graner Barcelona, Centro Coreográfico Canal Madrid, Konvent Barcelona, entre otros espacios referentes para la creación contemporánea.

Laila Tafur (Granada / Málaga)
Maja y bastarda, 20 min.

Robas, adoptas, asumes, encarnas, encuerpas una memoria, una herencia, un legado. Sacas a la médium a garabatear y permites que otros bailes hablen a través de ti. Bailes lejanos, geografías distantes, figuras borrosas, crean una identidad des-hecha de soporte en soporte, de estilo en estilo, de historia en historia, de chisme en chisme, hasta aterrizar en este cuerpo. 

Maja y bastarda es la apropiación de bailes tradicionales que se convierten en poco serios, poco sobrios, poco puros. Es una elección lúcida por lo que puede darse al margen del dogma. De esta manera presenta en sociedad a la mil leches, que haciendo gala de su engranaje ficticio entre lo tradicional y lo novedoso, fabrica una jonda bastarda, una folklórica frankenstein que viaja del tablao al teatro, de la cueva al cabaret, del gremio a la afición, del mercadillo a la pasarela. Se mueve en una zambra collage sobre la que teje un vocabulario que por contagio y familiaridad, se lanza a inventar un hacer cargado de preguntas que apelen a lo mestizo, a lo majo, a lo extranjero.

Idea, dirección y baile: Laila Tafur
Ojo externo: Amalia Fernández y Ana Buitrago
Asesoría musical y de archivo: Charo Martín
Asesoría al baile flamenco: Alba Fajardo
Vestuario: Jorge Dutor, Carmen Corsano y Laila Tafur
Espacio sonoro: Laila Tafur
Masterización: Enrique del Castillo
Producción: Ariana Miquel y Jorge Gallardo Altamirano
Video: Malasombra

Laila Tafur es bailarina y creadora andaluza formada como coreógrafa en la Listaháskóli de Reykjavik, la Politécnica de Lisboa y finalmente en el Institut del Teatre de Barcelona. Entre 2017 y 2021 realiza tanto el MPECV del Reina Sofia como el PEI del MACBA, lugares en los que comienza su interés por la canción, la aproximación amateur a la producción de conocimiento o la encarnación de pensamiento crítico a través del humor. Con sus trabajos ha girado por numerosos festivales, y ganado el premio de mejor bailarina en el Certamen Coreográfico de Maspalomas, el Certamen Coreográfico de Madrid, segundo premio del Certamen Danza Extrema, y ha sido nominada por los Premios de la Critica de Barcelona como Mejor Solo e Intérprete. Ha sido becada en el American Dance Festival de Durham University y el Movement Research de Nueva York para completar su formación. Como intérprete ha trabajado para creadores tan dispares como Janet Novás, Xavier Le Roy, Jerome Bel, Lipi Hernandez, Albert Quesada y Carmelo Fernandez. En la actualidad combina la creación con la docencia como profesora de danza contemporánea en el conservatorio superior de Málaga con la creación.

Manuela Nogales Danza (Sevilla)
Verde, 12 min. 

Verdor aboga por algo que debe renacer, despertar, algo que hemos olvidado y que se mantiene en nuestro interior aletargado. Renacer que no implica crear algo nuevo, sino desenterrar eso que yace oculto dentro de nosotros, que debemos volver a percibir. Una forma de acercarse al devenir, que conlleva volver a nosotros, recuperar nuestro ser, nuestra energía interior. Lo que podríamos llamar una metafísica matérica, en lo que tiene de cuerpo, naturaleza, sombra, finito, alteridad, singularidad, circunstancia, fluir, cambio, basado no en lo universal, sino en el individuo.

Coreografía: Manuela Nogales
Música original: Lehónidas Boskovec
Intérprete: Carmen Cruz

Manuela Nogales es pionera y pieza clave de la danza contemporánea hecha en Andalucía. Como coreógrafa ha realizado numerosos trabajos, con su propia compañía y otras compañías privadas y entidades como Centro Andaluz de Teatro, Centro Andaluz de Danza, Campeonatos Mundiales de Atletismo, Isla Mágica Parque Temático, Teatro Maestranza, Bienal de Flamenco, Teatro Villamarta de Jeréz, Teatro Zarzuela de Madrid,… Desde 1994 Manuela Nogales Danza ha participado en puntos de enclave para la danza dentro y fuera del país como Certámenes Coreográficos de Madrid y Maspalomas, Danza Valencia, Mes de Danza de Gijón, Mes de Danza de Sevilla, Teatro Central, Festival Internacional de Danza de Itálica, Madrid en Danza, Plataforma Española para los Encuentros de Bagnolet, Festival Internacional de Glasgow, Días de Danza de La Habana, Festival Internacional de Lima, Aerowaves, Madrid en Danza, Festival Brigittines y La Ráfinerie-Charleroi Danse de Bruselas,…

Los últimos premios recibidos han sido: Premio Espectáculo de Danza, Premio Coreografía junto a Fernando Romero y Lucía Vázquez, Premio Bailarinas a Lucía Vázquez, Ana Jiménez y Paola Domínguez por el espectáculo Summa en los Premios Escenarios de Sevilla 2024. Premio Coreografía por el espectáculo Minimal singular en los Premios Escenarios de Sevilla 2023. Premio autoría musical a Lehónidas Boskovec y Premio intérprete masculino de danza a Manuel Cañadas por el espectáculo Noche transfigurada en los Premios Lorca Premio a Mejor Espectáculo de Danza, Premio a Mejor Coreografía y Premio a Mejor Bailarina a Lucía Vázquez por el espectáculo Poéticas en la sombra, con 5 nominaciones en los Premios Escenarios de Sevilla 2021. Premio a mejor Coreografía y mejor Vestuario de Margarita Ruesga en Escenarios de Sevilla 2018 por el espectáculo Silencio y ruido, con 5 nominaciones en los Premios Escenarios de Sevilla.

Guillermo Weickert (Sevilla), Zuriñe Benavente & Ignacio Monterrubio (Pamplona)
El grito del elefante, 45 min.

 El grito del elefante es una composición en tiempo real donde los artistas Guillermo Weickert, Zuriñe Benavente e Ignacio Monterrubio comparten escena en un contexto donde la escucha, la relación con el espacio, el público, los objetos y la música son la base fundamental de la acción.

El grito del elefante pone el foco en el estado de alarma, en la presencia del momento presente y en la conexión con todo lo que sucede en la escena y alrededor de ella.

«Ese momento cuando la creencia se suspende y cualquier cosa puede pasar. Y estás totalmente involucrado y estás mirando. Es como una película y estás interpretando tu propio papel frente a tus propios ojos. La historia se desarrolla en tiempo real y tú eres el personaje principal. Y al mismo tiempo no eres tú porque te estás viendo actuar. La acción está en sincronía con el testimonio de la acción. No hay más cuestión de elección en el sentido de que eres elegido. Tú eres el vehículo. Es un regalo y lo montas como una ola. No puede ser buscado sólo permitido. No puede ser tomado solo cuidado. Puede ser deseado pero si se cumple en sus propios términos. Puedes estar preparado. Tu trabajo es prepararte. Estar listo. Estar dispuesto. Sin juicio. Sin culpa» — Mark Tompkins

Creación e interpretación: Guillermo Weickert, Zuriñe Benavente e Ignacio Monterrubio
Dirección: Zuriñe Benavente
Colaboración:  Iñaki Azpillaga
Producción y distribución: altraste danza

Altraste es un proyecto dirigido por Zuriñe Benavente e Ignacio Monterrubio en torno al movimiento y los nuevos lenguajes del cuerpo a través de procesos de creación, investigación, formación y mediación con públicos. En sus creaciones destaca la fusión en código performático de música, danza y texto contando con una mirada profunda en la captación del momento presente y la búsqueda de una cercanía y diálogo con el público.

A su vez, dirige y coordina el Festival Internacional de danza y movimiento DANZÁLAVA con sede en el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco ARTIUM de Vitoria / Gasteiz, lo que ha permitido acercar hasta Vitoria artistas como Meg Stuart, Tino Sehgal, Mark Tompkins, Benoit Lachambre, Katie Duck, Vera Mantero, Mónica Valenciano, María Scaroni, Julyen Hamilton, Florence Augendre, Jeremy Wade, Mala Kline, Oscar Gómez Mata, Sigal Zouk, Philipp Gehmacher, Iñaki Azpillaga, Thomas Hauert o Marta Izquierdo, entre otros.

La Basal / Rocío Barriga López (Sevilla) y Sergio R. Suarez (Madrid)

No estamos aquí para bailar, 14 min. 

No estamos para bailar es un proceso de investigación que atiende a nuestra necesidad por desarticular los diferentes códigos por los cuales nuestro cuerpo ha aprendido a desear, lo que es deseable o lo que es el deseo. Queremos ubicarnos en nuestro punto de partida totalmente vacío que nos permita expresar la relación entre cuerpo y deseo de manera más personal y más honesta. Partiendo de dos cuerpos entrenados para el movimiento, nuestra premisa de trabajo principal es la de analizar los efectos del deseo sobre el cuerpo danzante para poder abstraer los estados físicos, las acciones y las dinámicas que en él provoca, y así poder acercarnos a la investigación práctica de un cuerpo amable, sencillo y placentero, abandonando la perspectiva de producción y permitiéndonos entregarnos al deseo de forma más espontanea.

Consideramos el acto escénico como un espacio abierto a la reflexión en el que se debe configurar un terreno fértil sobre el que proponer desacuerdos y enfrentamientos con la mirada externa, para poder llegar a conclusiones desde un espacio más personal.

Queremos hacer de nuestra práctica escénica un medio, un proceso, nunca un fin.

La Basal

Dirección, coreografía e interpretación: Rocio Barriga y Sergio R. Suárez
Espacio Sonoro: Antonio Maza
Acompañamiento artístico: Rosa Romero, Alejandro Barriga y María Pizarro

La Basal
La Basal es un colectivo de jóvenes creadoras que nace en 2019 con el objetivo principal de proporcionar acompañamiento creativo y respaldo en la gestión de proyectos, para tejer entre todas sus componentes una red de apoyos que dé impulso a sus trabajos, inquietudes e ideas. Los proyectos artísticos centran su núcleo de trabajo en el uso del cuerpo y su movimiento como herramienta principal, atendiendo a nuestra perspectiva sobre derechos y políticas culturales, desarrollada a partir de nuestro contexto personal y compartido. Nuestra labor principal es la de creación y promoción de contenido artístico, pero también estamos interesadas en realizar labores de mediación y formación ligadas a nuestros proyectos, así como en colaborar con otras entidades culturales pertenecientes a diversas disciplinas artísticas.

El equipo de trabajo de La Basal está formado por Rocío Barriga, Claudia Bosch, Aurora Costanza, Sergio R. Suárez y Luna Sánchez.

Durante su recorrido, La Basal ha desarrollado diferentes proyectos artísticos, tanto escénicos como para espacios no convencionales, como Apuntes Directos, Hydra, Todo esto no es tradición, MudarseInstalarse, La Revisión, mudarseSINinstalarse, Fetiche, Y si solo fuimos sombra, MIMI y Quiral. Estos proyectos se han exhibido en diferentes festivales, programaciones y espacios como Festival 10 Sentidos, Cádiz en Danza, Fabbrica Europa Festival, Festival Bucles, Jornadas Escénicas Injuve, Festival Figueres Es Mou, Festival Olot, Festival Visibles V, SóloDos en Danza, Migrats Dansa, Espai Inestable, Nave 73, Festival Escena Contemporánea, Festival EscenaMobile Festival La Mercé, La Casa Encendida, CICUS, Surge Madrid, CentroCentro, Festival 150gr o DT Espacio Escénico.

Biografía Rocío Barriga
Rocío Barriga (1994) es una intérprete y creadora de Sevilla. Comenzó sus estudios en el Conservatorio Profesional de Danza Antonio Ruiz Soler y en el Institut del Teatre de Barcelona en la especialidad de danza clásica. Amplía su formación en el Centro Andaluz de Danza. Posteriormente en 2019 se gradúa en Coreografía e Interpretación en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, Madrid. Durante esta formación recibe una beca de movilidad en Folkwang Universitat der Kunste, Alemania. Allí se acerca al trabajo técnico y estilístico de Pina Bausch de la mano de profesores como Lutz Foster, Malou Airaudo y Stephan Brinkmann. En 2022 finaliza el programa de máster de investigación en danza del Royal Conservatory Antwerp y de Singel en Bélgica, estrenando como proyecto final su primer solo escénico Todo esto no es tradición. Nominada por dicha pieza a mejor intérprete por los premios PAD de Andalucía. Ha participado en diversos proyectos escénicos y pedagógicos junto a creadores como Javier Barón, David Troncoso, Antonio Quiles, Juan José Morales ‘Tate’, Kor’sia y Thomas Noone Dance. En 2019 crea el colectivo de jóvenes creadoras La Basal, desde entonces ha co-creado diversas piezas escénicas junto a Luna Sánchez, Alejandro Barriga o Sergio R. Suárez, participando en distintos festivales como Cádiz en Danza, Ahora Danza Cicus, Festival 10 sentidos, Escena Mobile, Visibles V, Migrats, Huellas Danza de Aracena o Surge Madrid entre otros. En junio 2020 inicia el proyecto de colaboración Identidad, cuerpo y tierra, dando como resultado una exposición fotográfica creada junto a la artista visual Sara Sánchez. Actualmente forma parte de los proyectos de investigación y creación de la compañía Las Protagonistas junto a Lucía Bocanegra y María Pizarro.

Biografía Sergio R. Suárez
Sergio R. Suárez (1995) se gradúa en Danza Española por el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma, Título Superior de Coreografía de Danza Española y Flamenco en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, Máster en Estudios LGBTIQ+ en la Universidad Complutense de Madrid, que finaliza con una investigación performativa sobre la construcción de los códigos de representación del lenguaje de la danza española y el flamenco en materia de género. Además, es invitado en 2021 por el Máster en Gestión Cultural de la Universidad Carlos III para impartir una sesión sobre disidencias sexo-genéricas y diversas cuestiones LGBTIQ+ en el plano sociocultural. Desde 2021 es socio de la Asociación Cultural La Basal. Actualmente cursa el Máster en Gestión Cultural por la Universitat Oberta de Catalunya.

Ha trabajado como interprete en diferentes compañías entre las que destacan: Cía. Ibérica de Danza, Cía. Marta Nogal, Nova Galega de danza, Enclave Español Cía de Danza, Ballet Flamenco de Madrid.

DDCdanza Daniel Doña (Granada / Madrid)
Doma, 24 min.

Doma aborda el concepto de la domesticación como un acto de rebelión a través del cual crear un pulso entre los hitos culturales de la tradición y las formas propias de la hibridación coreográfica. Explora los conceptos de crueldad, abuso de poder y violencia en nombre del honor, las costumbres o las creencias. Una rebelión a través de la danza puramente física que se inspira en las prácticas de resistencia y en los pactos con el conflicto que perturba el orden de las cosas, conscientes de que subvertir la norma es el único camino hacia la salvación.

Idea original, dirección y dramaturgia: Daniel Doña
Interpretación y coreografía: Cristian Martín & Daniel Doña
Composición musical original: Carlos Cuenca

Al frente de la compañía DDCdanza – Daniel Doña desde 2013, se ha convertido en uno de los máximos referentes de la danza española actual y se ha consolidado como un explorador inagotable de movimientos, tradiciones y vanguardias. Sus trabajos se despliegan como territorios ilimitados en los que la danza española renovada, el flamenco y la danza contemporánea dialogan entre sí y con otras disciplinas artísticas. Entre 2005 y 2011 dirige junto a Olga Pericet y Marco Flores el colectivo Chanta la Mui, una «de las aventuras artísticas más interesantes del baile flamenco español de las últimas décadas», según el diario El ABC. Premio Jóvenes Valores de las Artes Escénicas (Hugo Boss 2004), Premio El Ojo Crítico de Danza en 2016, por su «continua evolución de estilos, por abrir nuevos caminos, desarrollar una voz propia de autor y beber de la Danza Española para proyectarse

hacia la contemporánea». Es además Premio Max a la Mejor Coreografía 2009, Premio HEBE de Honor 2016, Premio MAX al Mejor Intérprete Masculino de Danza 2019, Premio LORCA a la Mejor Coreografía en 2022 y Premio LORCA a Mejor Espectáculo de Danza Flamenca 2023.

En 2023 es nombrado director artístico y coreógrafo de Parque España Shima Spain

Village de Japón.